Adaptamos los clásicos castellanos para hacerlos accesibles a los lectores de hoy

Recuperamos el patrimonio literario para los lectores del siglo XXI.

Conversamos con Alfredo Reina y Emilia Navarro, dos de los responsables de la adaptación de los clásicos castellanos de Casals Lector Avanza.

¿Cuál es la necesidad actual de adaptar los grandes clásicos de la literatura española?

La lectura de los clásicos responde a una doble necesidad que afecta a dos públicos distintos. En primer lugar, representa una necesidad educativa esencial para el alumnado de ESO y Bachillerato. Actualmente, los docentes de Lengua castellana y Literatura se enfrentan a la dificultad que supone que los estudiantes aborden estas obras en su versión original, debido principalmente a la complejidad del lenguaje de la época y a la pérdida de referentes culturales. Ante esta realidad insoslayable en las aulas, el acercamiento a los textos mediante adaptaciones resulta imprescindible; descartar su lectura no es una opción válida, pues equivaldría a estudiar música sin llegar a escucharla.
En segundo lugar, existe una brecha profunda en la recepción de estas obras que las aleja del público general. El disfrute de los clásicos no debe quedar circunscrito en exclusiva al ámbito  universitario o académico; el desafío actual radica en abrir las puertas de la literatura clásica española a todos los ciudadanos. Con nuestra propuesta, hemos superado la falsa dicotomía de tener que elegir obligatoriamente entre un texto original incomprensible para la sociedad o una versión escolar simplificada. Bajo esta perspectiva, nuestras adaptaciones no buscan ser un subproducto cultural, sino propuestas accesibles y con pleno valor literario, concebidas para hacer llegar el patrimonio cultural a los lectores de hoy.

¿Qué aportan las adaptaciones de clásicos castellanos de Casals Lector Avanza frente a otras ediciones adaptadas?

Cuando la colección se inició en 2009, apenas existían adaptaciones en el mercado. Nuestras ediciones fueron pioneras y, desde entonces, han recibido una excelente acogida por parte del profesorado, el alumnado y los amantes de la literatura en general. Su valor diferencial radica en una fórmula original que une tres dimensiones complementarias: son adaptaciones literarias, porque preservan el estilo y la esencia del autor; son filológicas, por su rigor académico; y son didácticas, por la cuidada contextualización que ofrecen de cada obra.

¿Por qué son literarias?

Para lograr su carácter literario, realizamos una cuidadosa actualización de la gramática, del léxico, de los giros de la época, del humor y de los conceptos complejos. Este proceso se lleva a cabo manteniendo la afinidad con el estilo original, de modo que el lector percibe la voz del autor clásico y disfruta de la belleza de su obra de forma clara y amena.
Estas adaptaciones respetan la integridad del contenido original sin recurrir a recortes, resúmenes simplificados o prosas planas sin valor artístico. Conservan la emoción del texto original porque no se limitan a transmitir el significado objetivo de la obra, sino que trasladan las connotaciones literarias, los matices subjetivos y el simbolismo emocional que el autor plasmó en su día.

¿Por qué son filológicas?

A diferencia de las ediciones críticas tradicionales, cuya ortografía modernizada y abundante cuerpo de notas interrumpen la fluidez y generan rechazo en los jóvenes, nuestro enfoque filológico busca asentar el significado pleno de la obra sin saturar el texto.
Para lograrlo, situamos el análisis filológico profundo en el estudio posterior de la obra, liberando las páginas principales de cargas académicas excesivas. En el texto central solo mantenemos notas divulgativas de léxico e interpretación diseñadas para el lector no experto. Asimismo, incorporamos algunas notas de gran alcance que desvelan aspectos poco conocidos de la obra. El resultado es un tratamiento filológico riguroso que recupera el sentido original del texto a través de un lenguaje comprensible, y permiten al estudiante vivir el placer de la lectura.

¿Por qué son didácticas?

Nuestro carácter didáctico destaca por una apuesta clara y revolucionaria en el ámbito hispánico: comenzar la lectura del texto sin una introducción o prólogo. Fuimos pioneros en romper con la tradición de incluir los extensos preliminares tradicionales. Se trata de una innovación introducida en 2009 que posteriormente ha sido adoptada por otros proyectos editoriales, e incluso por las ediciones de clásicos de la RAE. El objetivo principal de esta decisión fue, desde el primer momento, eliminar cualquier barrera inicial entre el lector y la obra. Queríamos facilitar un acceso directo para que el lector entrara en el texto de forma inmediata, y propiciar así una experiencia de lectura inmersiva y personal, sin condicionantes interpretativos desde la primera página y tal como lo hicieron sus primeros lectores. Con el tiempo, esta estrategia metodológica ha demostrado su validez y su profundo impacto en el sector.
Prescindir del prólogo no significa en absoluto renunciar al contexto o al análisis, sino desplazar el potente componente didáctico al final del volumen. En efecto, una vez que el lector ya ha tenido su propio encuentro y su conexión con el texto, ofrecemos herramientas de contextualización biográfica, histórica, social y literaria articuladas en dos niveles de profundización:

1. Un cuaderno documental ilustrado, de carácter marcadamente divulgativo y didáctico, diseñado para despertar el interés y accesible para todo tipo de público.
2. Un estudio literario de la obra, que ofrece un análisis crítico, técnico y académico idóneo para el profesorado, el alumnado y cualquier lector interesado en profundizar en los saberes filológicos.

La colección incluye un cuaderno documental y un estudio de la obra. ¿Qué aportan estos materiales?

Ofrecen un doble nivel de profundización adaptado a las necesidades de cada lector. Por un lado, el cuaderno documental ilustrado aporta un enfoque divulgativo y didáctico concebido como una herramienta de acompañamiento para despertar el interés y la curiosidad. Se abre con una biografía amena del autor, escrita con el tono dinámico de una revista literaria, y continúa con el análisis de los contextos histórico, social, político y cultural de la época. Lo característico de este cuaderno es que la información no es genérica, sino que está estrechamente vinculada con el argumento de la obra mediante fragmentos del texto y notas cruzadas, y ello facilita que el lector conecte mentalmente la lectura con su contexto histórico.

Por otro lado, el estudio de la obra mantiene el carácter didáctico, pero bajo un contenido más académico y técnico, estrechamente vinculado al género literario de cada título. Así, analiza los elementos fundamentales de la narrativa y la poesía (como el narrador, el tiempo o los tópicos), mientras que en el caso del teatro profundiza de forma específica en los elementos teatrales, examinando la prosopografía de los personajes, la estructura de la acción dramática, la construcción del conflicto, la dosificación de la tensión dramática, la división en escenas y la función de las acotaciones. Este rigor permite que los alumnos profundicen en el significado, al tiempo que preparan sus pruebas objetivas mediante herramientas visuales de apoyo, como rutas geográficas, esquemas, tablas o ejes cronológicos. Su valor diferencial es que aborda el tema, la estructura y la interpretación con criterios estrictamente filológicos, clarificando el sentido profundo de la obra. El hecho de que se incluya un análisis de este calado técnico dentro de una adaptación constituye un hito único en todo el panorama de las ediciones de clásicos.

La Universidad de Nueva York califica la edición de La Celestina como una de las mejores. ¿A qué se debe esta calificación?

Efectivamente, el prestigioso crítico David Paolini, profesor de la Universidad de Siena, publicó en 2013 una reseña en la revista Celestinesca —del City College de la Universidad de Nueva York—, donde dedicaba una valoración muy laudatoria a mi adaptación, calificándola como «una de las mejores ediciones estudiantiles». En su reseña, destacaba la novedad de los elementos teatrales aportados, el uso de títulos para facilitar la comprensión, y el valor del Cuaderno documental y el Estudio de la obra para analizar el contexto y los personajes.
Por mi parte, la decisión de incorporar estos elementos se basó en el objetivo de marcar explícitamente la naturaleza teatral de la obra. Para darle forma, partí del propio código interno de Fernando de Rojas, quien estructuró la obra de manera implícita a través de las entradas y salidas de los personajes y de los cambios de escenario. Al formalizar esto mediante actos, escenas y acotaciones, e introducir títulos en cada escena, logramos enganchar emocionalmente al lector y facilitarle la inmersión en la trama dramática.
Además, en lo relativo a la interpretación de la obra, esta adaptación, ya en 2009, introduce varias aportaciones fundamentales y pioneras en el panorama de la crítica hispánica. La más destacada es mi tesis de que el personaje de Pármeno, criado de Calisto, se configura formalmente como el primer pícaro de la literatura española, situándose, así como el antecedente literario directo y más claro de El Lazarillo de Tormes. Posteriormente, algún crítico ha difundido esta tesis como propia.

Rinconete y Cortadillo se presenta segmentada en capítulos; sin embargo, Cervantes no la concibió originalmente así. ¿Qué aporta esta novedad a la adaptación? En la novela hay delincuencia, sobornos, crímenes… ¿En qué sentido sería, entonces, una novela «ejemplar»?

Esta obra constituye la primera edición adaptada de Rinconete y Cortadillo organizada en capítulos titulados, lo que permite resaltar las secuencias narrativas originales. Partiendo de la tesis de que Cervantes concibió inicialmente esta obra como un entremés teatral, mi adaptación potencia el dinamismo dramático propio del teatro mediante el uso del estilo directo en las secuencias dialogadas. La organización en capítulos también localiza con claridad los escenarios donde los diálogos se producen: venta del Molinillo (en Ciudad Real), la aduana de Sevilla, las gradas de la Catedral y el Patio de Monipodio, en el barrio de Triana. Asimismo, ha quedado muy clara la nómina de personajes, en su trayecto desde Madrid hasta Sevilla, así como los momentos de tensión dramática, que Cervantes concibió en un tono más teatral que narrativo. Para que el lector actual pueda apreciar el humor y la ironía del lenguaje hermético cervantino, he actualizado los giros conceptistas y, fundamentalmente, he trabajado el habla de germanías, descodificando el argot del hampa para hacer accesible su significado, e incorporando algunas expresiones equivalentes de la jerga actual, más cercana a los lectores de hoy.

Me preguntas en qué sentido Rinconete y Cortadillo es una novela ejemplar. Para Cervantes, el concepto de novela ejemplar tiene dos significados. En primer lugar, quiere que sus novelas cortas, de tradición italiana más que española, sirvan de espejo o modelo estético para los escritores de su época. Pero también pretende transmitir una finalidad moral, ejemplarizante. En efecto, Rinconete y Cortadillo es una novela picaresca en varios aspectos: jóvenes picaros, con padres sin honra, que han de valerse por sí mismos para sobrevivir, delincuencia, corrupción de la justicia y la policía, -hipocresía religiosa, mafia local… Pero se distancia de este género literario tan pesimista porque el autor quiere transmitir una ejemplaridad moral, ya que la obra concluye con la voluntad de estos dos muchachos, Rinconete y Cortadillo, de abandonar, cuanto antes, la vida del hampa, la delincuencia y el vicio, para emprender una nueva vida basada en la moral.
La edición incluye un cuaderno documental con un plano de Sevilla donde se trazan los movimientos de los dos pícaros por esta ciudad. En el estudio de la obra se hace una caracterización de los protagonistas y se muestra a través de un diagrama jerárquico la organización criminal del patio de Monipodio.

¿Qué relevancia tiene la adaptación de los Pasos de Lope de Rueda en el panorama literario clásico español? ¿Y los Entremeses de Cervantes?

Los Pasos de Lope de Rueda constituyen un conjunto de piezas breves de teatro cómico del siglo XVI que, salvo Las aceitunas, prácticamente habían desaparecido de los planes de estudio y de la lectura en las aulas. Uno de los principales obstáculos era el propio texto original, escrito en un lenguaje arcaico y rústico —el sayagués—, difícil de comprender para el lector actual, que ya no podía comprender los giros populares, los juegos verbales y los recursos humorísticos con los que Lope de Rueda construía sus gags teatrales. Por ello, en los manuales escolares su presencia quedaba reducida a una simple nota a pie de página y apenas aparecía en los catálogos editoriales.

Nuestra adaptación, publicada en 2009, se convirtió en la primera y única realizada hasta entonces en el panorama cultural y editorial español. Con ella quisimos reivindicar a un autor fundamental, considerado el padre del teatro español, cuyo olvido resultaba inexplicable. El objetivo principal fue acercar al lector contemporáneo la extraordinaria vitalidad de estas piezas, y recuperar el dinamismo, la frescura y la gracia de unos diálogos populares que, una vez actualizados, conectan de inmediato con el público y especialmente con los jóvenes, ya que el humor fluye de nuevo con naturalidad y eficacia.
Pero más allá de la comicidad, estas obritas –antecedentes de los entremeses cervantinos- poseen también una clara intención crítica y moral que alcanza al lector actual. A través de personajes humildes, ingenuos o ignorantes (los personajes listo y bobo), Lope de Rueda advierte sobre los peligros del engaño, la crueldad, los abusos y la hipocresía social, y muestra cómo quienes carecen de experiencia o formación pueden convertirse fácilmente en víctimas de manipulaciones y burlas. Gracias a esta adaptación, los Pasos renacieron y comenzaron a ser leídos por el alumnado, representados por compañías teatrales y muy valorados por el profesorado de literatura, devolviendo así a Lope de Rueda el lugar que merece en la historia del teatro español.

Entremeses de Cervantes

En cuanto a la adaptación de los Entremeses, creo que ha aportado al panorama cultural actual una recuperación profunda y moderna de una parte esencial del teatro cervantino que, había quedado relegada –hasta su publicación en 2011- a un ámbito exclusivamente académico. Nuestra propuesta parte de la adaptación íntegra de los seis entremeses escritos en prosa, reorganizados en escenas y con la incorporación acotaciones y apartes que ayudan al lector y al espectador contemporáneo a comprender mejor la dramaturgia original de Cervantes y la extraordinaria modernidad de su teatro.
Uno de los principales objetivos ha sido hacer accesible un lenguaje lleno de refranes, expresiones populares, juegos conceptistas y clichés urbanos del Madrid del siglo XVII, elementos que hoy resultan difíciles para muchos lectores. La adaptación interpreta las elipsis y los dobles sentidos propios del estilo cervantino, pero sin perder la riqueza expresiva, el humor y la agilidad verbal que caracterizan estas piezas. De este modo, el lector puede descubrir un Cervantes vivo, irónico y sorprendentemente actual.

Además, esta edición pone de relieve el enorme valor social y crítico de los Entremeses para la España de su época. En efecto, Cervantes aborda cuestiones como la infidelidad, el divorcio, las falsas apariencias, la xenofobia, la corrupción, la prostitución, la pobreza de los hidalgos o la obsesión por el honor y la limpieza de sangre. A través del humor y la sátira, construye un retrato profundamente humano de una sociedad barroca en crisis, pero cuyas contradicciones continúan resonando hoy.

La edición se completa con notas aclaratorias, un cuaderno documental sobre el Madrid de los Austrias y la situación del teatro en el siglo XVII, así como un estudio final que reconstruye el contexto histórico y cultural de la obra. Especial interés tiene la explicación de la técnica barroca de la anamorfosis para interpretar textos como El retablo de las maravillas, que muestra cómo Cervantes juega con la deformación de la realidad, el miedo al rechazo social y el autoengaño colectivo. En conjunto, esta adaptación no solo recupera unos textos fundamentales del Siglo de Oro, sino que los devuelve al lector y al escenario con toda su fuerza teatral, crítica y contemporánea.

¿Por qué los 51 cuentos que constituyen la parte fundamental de El conde Lucanor aparecen organizados en esta edición adaptada en cinco apartados? ¿Qué se quería conseguir con ello?

La reorganización de los 51 cuentos en cinco apartados responde, en esta adaptación de la Editorial Bambú, al deseo de ofrecer una lectura más clara, atractiva y significativa para el lector actual. Sabemos que El conde Lucanor es una obra fundamental de nuestra tradición literaria, pero también que es un texto medieval que puede resultar lejano para los estudiantes y para el público general si no se presenta con una estructura que facilite su comprensión y la haga más dinámica, ya que, en el texto original, se trata de una sucesión de cuentos sin otro hilo conductor que su estructura fija «Lucanor – Patronio – cuento que sirve como ejemplo -Lucanor- moraleja».

Por ese motivo, esta adaptación propone una manera novedosa de acercarse a don Juan Manuel, no solo desde el argumento de estos relatos, sino también desde los valores, las enseñanzas y los conflictos, que, al presentarse agrupados en bloques temáticos, adquieren una mayor sensación de orden, coherencia y fluidez en la lectura, así como un mayor refuerzo en su significado.
Ahora, los cuentos aparecen organizados en torno a núcleos temáticos muy claros, que constituyen un itinerario que aporta a la obra un hilo conductor y nos invita a la reflexión desde diversos planos: la figura del guerrero (1), las tácticas políticas y bélicas (2), la administración de la economía (3), la perspicacia ante el engaño (4), y finalmente, aspectos tan humanos como la necesidad de autoestima y la coherencia personal (5). A través de estos planos se focalizan las enseñanzas y los valores que la obra pretende transmitir.

Pero estos relatos no tienen solo una lectura guerrera o bélica, sino que también se intercalan fábulas, situaciones domésticas, aventuras y acción, así como numerosos espacios narrativos (no solo los cortesanos) e innumerables personajes de toda clase y condición (no solo la nobleza), incluyendo a los animales, que protagonizan las fábulas heredadas de la tradición. Todo ello aporta una gran variedad argumental que ahora, distribuida en estos cinco bloques, adquiere cohesión y una mayor coherencia, y se ve así reforzada su valiosa carga moral y ética para el lector de hoy. En efecto, la obra funciona casi como un libro de autoayuda: alguien con dudas y preocupaciones acude a una persona más preparada para recibir consejo, del mismo modo que hoy se busca orientación en un consejero, un psicólogo o un coach. En estos relatos siempre se plantea un problema personal, por lo que el lector de hoy se puede identificar con su protagonista (el conde Lucanor) y reflexionar sobre el consejo que le da Patronio, quien ofrece herramientas para actuar con prudencia, superar dificultades, reconocer peligros y comportarse con inteligencia en situaciones complejas.

¿Cuál es el interés, para un lector de hoy, de un relato como La española inglesa?

Creo que esta novela cervantina puede despertar un gran interés no solo en el lector joven, sino en cualquier lector aficionado a la literatura de aventuras, porque, más allá de la historia amorosa, es sobre todo un apasionante relato de viajes con grandes dosis de acción. En esta novelita cervantina encontramos, en efecto, todo un thriller: hay un secuestro, piratas, batallas en el Mediterráneo, varios intentos de asesinato, manipulación política, una persecución por varios países con el propósito de acabar con el protagonista masculino (Ricardo) y situaciones complicadas que persiguen a la protagonista femenina, (Isabela) y que sirven para mostrar su carácter.

En efecto, los protagonistas se enfrentan continuamente a peligros que ponen a prueba valores universales, como la valentía, la capacidad de superación, la constancia o el aprendizaje a través de la experiencia. Todo ello dota a la obra de un ritmo narrativo muy dinámico y cercano al tipo de historias que hoy triunfan tanto en el cine como en las series.
Además, Cervantes introduce en la novela parte de su propia experiencia vital, especialmente su etapa como cautivo en Argel, lo que aporta autenticidad, intensidad humana y un gran interés histórico. A ello se suma su profundo conocimiento del mar y de las estrategias navales, así como de los conflictos del Mediterráneo de su época, elementos que enriquecen enormemente la narración.

En esta adaptación al castellano actual he procurado mantener intacto el estilo, la intensidad narrativa y la belleza literaria de Cervantes, pero haciendo el texto más accesible y fluido para el lector contemporáneo. Otra novedad de esta adaptación es que se ha organizado en capítulos que marcan la estructura narrativa y favorecen el ritmo de lectura, de modo que convierten la experiencia narrativa en algo más ágil y atractivo. Quedan así señalados los hitos narrativos que concibió Cervantes y que podrían constituir la base de un guion cinematográfico: su fuerza visual, la sucesión de aventuras y la riqueza de sus personajes y escenarios.
Finalmente, el cuaderno documental complementa la lectura con explicaciones claras y amenas sobre las travesías marítimas, las relaciones entre España e Inglaterra y la presencia de piratas en el Mediterráneo, y ayuda al lector joven a comprender y disfrutar mejor el universo cervantino. Se presenta un mapa con todas las escalas de las tres travesías marítimas que se llevan a cabo en la novela.; lo que supone una guía para comprender mejor los itinerarios geográficos en la novela.

Nueve liras de hiedra y un secreto constituye la historia sentimental de un periodo de nuestra historia. ¿Cómo debemos interpretar los lectores este bello título? ¿Qué códigos hay tras él?

Nuestra antología llamó la atención del programa de crítica literaria La estación azul de Radio Nacional de España, y fuimos invitados para presentarla y hablar de ella en una entrevista. Esta antología abarca desde los orígenes de nuestra lírica hasta el siglo XVIII. Y, en efecto, su título es evocador, pues cada una de sus palabras posee una profunda carga significativa en la tradición española y universal.
En cuanto a los códigos que encierra el título de esta antología, no sabemos si habéis reparado en que este título es un endecasílabo, lo que potencia la emoción poética de la antología. Por otra parte, el número 9 representa las nueve musas griegas. En cuanto a la lira, debemos tener en cuenta que no solo es el instrumento de los antiguos vates, sino -que simboliza- la lírica, la belleza de la música, la armonía… además de ser la estrofa predilecta de nuestro Renacimiento, nombrada así por Garcilaso de la Vega.

A estos dos símbolos se suma la hiedra, elemento recurrente que simboliza la amistad y la lealtad inquebrantables: es el abrazo inseparable de la hiedra al álamo que traslada al sentimiento amoroso una idea de acompañamiento eterno. Cada lira o sección de nuestra Antología va precedida de un verso de un famoso poeta que contiene la palabra hiedra para connotar su poderoso simbolismo poético.

Finalmente, el título propone un concepto tan esencial como disruptivo: el secreto.
Este es un eje fundamental de la poesía europea. Hunde sus raíces en la lírica trovadoresca y del amor cortés bajo el precepto de «amar y callar», donde la omisión del nombre de la dama era obligada por su estatus o por su matrimonio. Con frecuencia se alude a la mujer amada bajo un apelativo poético, que se llama senhal (término occitano que significa «señal» o «pseudónimo»).
Esta poética del ocultamiento amoroso y del amor imposible evoluciona en los cancioneros del XV y llega al Renacimiento y el Barroco, manifestándose de formas diversas: desde el amor místico donde el amado «secretamente mora», pasando por el «secreto camino» de la sabiduría de Fray Luis, hasta el misterio de la belleza femenina (el «no sé qué»). Pero también el deseo erótico, soñado y oculto, de una joven. Es, en última instancia, el amor que no se puede compartir, como el del Conde de Villamediana, quien prefería «morir en su pasión sin declararla».